201470213-田中小百合：《星聲夢裡人》：向傳統致敬與告別
田中小百合：《星聲夢裡人》：向傳統致敬與告別
2017/2/13 — 11:03
《星聲夢裡人》劇照
《星聲夢裡人》（La La Land）是一部懷緬荷里活的黃金歲月、懷念「傳統」的電影。它的劇情「大路」或老套，主線仍是我們已經看慣看熟的，有關追夢和愛情之間二取其一之故事；而導演所採用的表現方式，也充滿著懷舊的味道，包括電影內多處地方對經典歌舞片、經典黑白片（Notorious, Bringing Up Baby, Casablanca, Rebel Without a Cause…）、經典電影明星（Ingrid Bergman）進行了致敬，乃至本片中出現的圓洞轉場效果、男女主角於The Lighthouse Café門前背向行走的畫面、或是Sebastian在Mia試鏡後抬頭45度角仰望著Griffith Observatory的鏡頭，都有著舊年代電影的痕跡。
但導演Damien Chazelle又對這傳統作出了改良，最明顯是結尾的「扭轉」，引入了近十多二十年來流行於科幻片裡頭的「平行時空」概念，顛覆了過往歌舞類型電影平鋪直敘的傳統；而在《星聲夢裡人》中，演唱部分比例的減少（不像以前的歌舞片說幾句對白後就唱起來，或是不像《秋水伊人》那樣由頭唱到尾的形式）、音樂類型的相較豐富（從爵士到加入電子元素的流行樂），也會令到現在年輕的觀眾更容易入口和接受。導演Damien Chazelle的這些改良，有點像影片中「信使」樂隊（由John Legend飾演的Keith領軍），把可能只有「老一輩」才會去聽的爵士樂變得更流行、更大眾化的做法；而一早已經「日落西山」、走向衰落的歌舞片，卻在Damien Chazelle的手上得到回春，並於現實中印證了電影內的那位編劇說到的對白（好像也是由導演本人所飾演）——「我」現在很紅很火，人人都在談論「我」的電影。
當然，導演Damien Chazelle於《星聲夢裡人》裡頭所追求的，又跟「信使」樂隊將電子流行樂「鎖住」即興爵士的轉變手法不同。他會把較傳統的東西「釋放」出來、不介意任它們「奔流」，有時或會與「現代」的事物形成碰撞（手機鈴聲打斷了致敬1937年《Shall We Dance》和1953年《The Band Wagon》的那段踢踏舞），就像爵士樂手們的演奏，帶著衝突卻能相互折衷的感覺。且《星聲夢裡人》另有一個值得探討的地方，乃是它的主要「價值」，並非如當今很多的電影那般，重點落於對白或內容的「意義」上，本片通過精彩的場面調度、構圖、和色彩運用，嘗試從鏡頭語言、配樂或懷舊的「形式」方面，帶給我們思想、情感上的衝擊。
著名文藝評論家Susan Sontag在《Against Interpretation and Other Essays》裡頭寫道：「一些好電影內，經常有一種直率性，使我們從闡釋的慾望中全然擺脫出來。許多的荷里活老電影，如George Cukor, Howard Hawks以及其他不勝枚舉的導演作品，就俱有這種自由的、反象徵的性質，他們的作品從表面上看雖顯得淺顯，卻不遜於歐洲藝術片導演的最佳之作」。
Damien Chazelle的《星聲夢裡人》，仿佛也帶有著Susan Sontag所寫的此種，往時荷里活電影的直率性，它對視聽上的著重，傾向於形式的充足而不是實則的充足；可這樣說，並非指它是一部內容空洞無物的電影，相反，《星聲夢裡人》那懷舊的形式，成為了一種情感上的「補充」，能喚起觀眾的回憶。而歌舞片有時夢幻般、脫離實際的特質，又跟片名的內涵相符（"La La Land "指的是夢幻之都——L.A.），或是跟主角為追尋心中夢想，不理現實、全情投入自己的"La La Land "之劇情相符。Damien Chazelle聰明地選對了這，能完美表達他想表述的內容之形式，並且該形式與故事內容形影相隨，而實際上，形式就是此電影想表達的內容的一個重要部分！
影片《星聲夢裡人》，如前面所說，會運用影像、音樂去延伸出俱戲劇性之劇情外的更多東西。它開幕的那場於公路上一鏡到底的歌舞表演，除了交代來自五湖四海的年輕人都像主角一樣去L.A.尋夢、或跳脫掉腳底下的現實之外，也把這座城市的活力、熱力（冬天還是如此高溫），展現了出來。有生活過在L.A.的評論人寫到：「（這部電影）每一個景色都觸手可及的親切……它讓人一眼便知的確是洛杉磯，電影原封不動的拍給你看，然而色調卻美得熱鬧又和諧，絲毫沒有臟亂的感覺」。導演Damien Chazelle於本片中，拍出了L.A.的夢幻與真實，他成功將此城的這個特質，變為了「人生如夢、夢如人生」的寫照；而《星聲夢裡人》也因影像的「強化」作用，使到L.A.不再是此電影內的一個無關重要的背景，而是變成了當中舉足輕重的「角色」。
載歌載舞的《星聲夢裡人》，不僅從高架橋上精心編排過的開場，和參考《Boogie Nights》的聖誕泳池派對裡頭，那由人群跳下泳池到煙花盛放的凌厲剪接及出色攝影中，體現到導演Damien Chazelle之純熟功架；本片致敬了《Singin' in the Rain》、《Funny Face》、《Le ballon rouge》、《An American in Paris》、《Broadway Melody of 1940》等電影的戲中戲結尾內，Damien Chazelle用了舞台劇場景、剪影、家庭錄像或是Broadway style的方式，去呈現影像、音樂相結合的魅力（並代替對白去說故事），亦凸顯出其高明的手法。張弛有度的《星聲夢裡人》，以較大型的歌舞場景帶給我們觀感上的刺激外，Emma Stone於影片內最後一次試鏡時所演唱的《The Fools Who Dream》，在沒有什麼花巧元素的襯托下（只是利用了燈光的明暗和鏡頭的旋轉來營造氣氛），卻有著頗強大的感染力。可是，電影裡頭本應用來昇華男女主角情感的Griffith Observatory內，二人失重的一幕（猶像《Solaris》中那代表著男女主角「高潮」出現的著名失重畫面），他們飛上星空跳舞的剪影，卻令人想起《007》……不，應該是《國產凌凌漆》那演唱著主題曲的片頭，效果略覺粗糙、差強人意，跟本片所走的、於美學上有所追求的路線，格格不入。
即便如此，這部結構上模仿了《秋水伊人》的作品（都是以不同季節將電影進行了劃分），仍是有成為新歌舞片經典的可能。導演Damien Chazelle他自己所寫的劇本，儘管沒太多新意，但對人物的刻畫尚算仔細、故事前後的呼應也會做足，像女主角Mia一出場時在高架路上只顧著讀稿、不理自己會阻塞交通、並於之後毫不有歉意地對男主角豎起中指的一幕，便已經顯示出了她為實現夢想可以不顧一切、不理別人感受、自以為是的性格。很多觀眾對結尾男女主角的分開感到愕然，但其實電影早在這開頭就已經做出了鋪墊，Mia是一個肯為夢想犧牲愛情的人，她最後所選擇的這個男人，可能是名導演或電影公司的高層，會更容易地幫助到其達成心中的夢想。而男主角Sebastian曾以為自己是「嚴肅樂手」，可之後被逼於現實、為了愛情，不得不放下身段、加入「信使」樂隊，甚至因將就《MOJO》雜誌攝影師的要求而擺起奇怪表情、姿勢，引人發笑；電影從這些劇情，更突出了Sebastian的性格，他是能顧及愛人感受、可以為了愛情犧牲自己夢想的人，跟女主角Mia恰成相反。所以兩者很難走在一起，他們最後於Sebastian所開的酒吧中相互地對望、點頭，又令我想起《秋水伊人》的尾聲——已經各自成家的男女主角，在加油站內（也是由男主角所經營）重遇的一幕，跟本片結尾相似，都是點到即止，但留下無盡的唏噓。
電影《星聲夢裡人》從這段愛情故事所留下的遺憾，強化了它前面就已經有著的失落情緒。導演Damien Chazelle通過此作品抒發了對爵士樂的「過氣」、荷里活黃金年代的逝去、或是連放映《阿飛正傳》（Rebel Without a Cause）的老電影院都不敵時光之摧殘、最終需關門結業的慨歎。當女主角Mia坐在餐廳內，聽著同桌的朋友抨擊傳統電影院的設施、觀眾的行為時，她於不久卻絕塵離去、奔向了正放映著《阿飛正傳》的舊戲院，這劇情的安排，不但明示了Mia對男主角的念念不忘，更寓意了Damien Chazelle對「傳統」的選擇和偏愛。他讓Mia穿上了散發著古典味的墨綠服裝，在隨後的Griffith Observatory場景中，又用到了類似《綠野仙蹤》（The Wizard of Oz）裡頭，那城堡顏色的燈光；跟著在男女主角的愛巢內，又以一襲透著迷朦綠光的窗簾，繼續向《綠野仙蹤》致敬，和營造出如《迷魂記》（Vertigo）內的神秘又浪漫的情景……導演Griffith Observatory憑著這些考究的色彩用法，已經表露出他對經典電影、對「傳統」的情意結，他連尾段「戲中戲」的部分，也參考了《An American in Paris》、《Singin' in the Rain》等「舊式」歌舞片的做法，既有「扭轉」的新意，又不失傳統的精髓。可惜，於「大師」已缺、漫畫英雄電影充斥銀幕的當下，「經典」已難出現、一切亦不能復在。本片內男女主角的告別，也是導演向著荷里活輝煌的往日進行告別，加上Sebastian所彈的《Epilogue》、那落寞的後段伴奏，更令人會發出萬千的感慨。
田中小百合
患有音樂癡迷症已多年，所寫的音樂評論文字散見於港澳大陸等報紙媒體或網路媒體，並一直相信音樂可以令世界變得更美
2017/2/13 — 11:03
《星聲夢裡人》劇照
《星聲夢裡人》（La La Land）是一部懷緬荷里活的黃金歲月、懷念「傳統」的電影。它的劇情「大路」或老套，主線仍是我們已經看慣看熟的，有關追夢和愛情之間二取其一之故事；而導演所採用的表現方式，也充滿著懷舊的味道，包括電影內多處地方對經典歌舞片、經典黑白片（Notorious, Bringing Up Baby, Casablanca, Rebel Without a Cause…）、經典電影明星（Ingrid Bergman）進行了致敬，乃至本片中出現的圓洞轉場效果、男女主角於The Lighthouse Café門前背向行走的畫面、或是Sebastian在Mia試鏡後抬頭45度角仰望著Griffith Observatory的鏡頭，都有著舊年代電影的痕跡。
但導演Damien Chazelle又對這傳統作出了改良，最明顯是結尾的「扭轉」，引入了近十多二十年來流行於科幻片裡頭的「平行時空」概念，顛覆了過往歌舞類型電影平鋪直敘的傳統；而在《星聲夢裡人》中，演唱部分比例的減少（不像以前的歌舞片說幾句對白後就唱起來，或是不像《秋水伊人》那樣由頭唱到尾的形式）、音樂類型的相較豐富（從爵士到加入電子元素的流行樂），也會令到現在年輕的觀眾更容易入口和接受。導演Damien Chazelle的這些改良，有點像影片中「信使」樂隊（由John Legend飾演的Keith領軍），把可能只有「老一輩」才會去聽的爵士樂變得更流行、更大眾化的做法；而一早已經「日落西山」、走向衰落的歌舞片，卻在Damien Chazelle的手上得到回春，並於現實中印證了電影內的那位編劇說到的對白（好像也是由導演本人所飾演）——「我」現在很紅很火，人人都在談論「我」的電影。
當然，導演Damien Chazelle於《星聲夢裡人》裡頭所追求的，又跟「信使」樂隊將電子流行樂「鎖住」即興爵士的轉變手法不同。他會把較傳統的東西「釋放」出來、不介意任它們「奔流」，有時或會與「現代」的事物形成碰撞（手機鈴聲打斷了致敬1937年《Shall We Dance》和1953年《The Band Wagon》的那段踢踏舞），就像爵士樂手們的演奏，帶著衝突卻能相互折衷的感覺。且《星聲夢裡人》另有一個值得探討的地方，乃是它的主要「價值」，並非如當今很多的電影那般，重點落於對白或內容的「意義」上，本片通過精彩的場面調度、構圖、和色彩運用，嘗試從鏡頭語言、配樂或懷舊的「形式」方面，帶給我們思想、情感上的衝擊。
著名文藝評論家Susan Sontag在《Against Interpretation and Other Essays》裡頭寫道：「一些好電影內，經常有一種直率性，使我們從闡釋的慾望中全然擺脫出來。許多的荷里活老電影，如George Cukor, Howard Hawks以及其他不勝枚舉的導演作品，就俱有這種自由的、反象徵的性質，他們的作品從表面上看雖顯得淺顯，卻不遜於歐洲藝術片導演的最佳之作」。
Damien Chazelle的《星聲夢裡人》，仿佛也帶有著Susan Sontag所寫的此種，往時荷里活電影的直率性，它對視聽上的著重，傾向於形式的充足而不是實則的充足；可這樣說，並非指它是一部內容空洞無物的電影，相反，《星聲夢裡人》那懷舊的形式，成為了一種情感上的「補充」，能喚起觀眾的回憶。而歌舞片有時夢幻般、脫離實際的特質，又跟片名的內涵相符（"La La Land "指的是夢幻之都——L.A.），或是跟主角為追尋心中夢想，不理現實、全情投入自己的"La La Land "之劇情相符。Damien Chazelle聰明地選對了這，能完美表達他想表述的內容之形式，並且該形式與故事內容形影相隨，而實際上，形式就是此電影想表達的內容的一個重要部分！
影片《星聲夢裡人》，如前面所說，會運用影像、音樂去延伸出俱戲劇性之劇情外的更多東西。它開幕的那場於公路上一鏡到底的歌舞表演，除了交代來自五湖四海的年輕人都像主角一樣去L.A.尋夢、或跳脫掉腳底下的現實之外，也把這座城市的活力、熱力（冬天還是如此高溫），展現了出來。有生活過在L.A.的評論人寫到：「（這部電影）每一個景色都觸手可及的親切……它讓人一眼便知的確是洛杉磯，電影原封不動的拍給你看，然而色調卻美得熱鬧又和諧，絲毫沒有臟亂的感覺」。導演Damien Chazelle於本片中，拍出了L.A.的夢幻與真實，他成功將此城的這個特質，變為了「人生如夢、夢如人生」的寫照；而《星聲夢裡人》也因影像的「強化」作用，使到L.A.不再是此電影內的一個無關重要的背景，而是變成了當中舉足輕重的「角色」。
載歌載舞的《星聲夢裡人》，不僅從高架橋上精心編排過的開場，和參考《Boogie Nights》的聖誕泳池派對裡頭，那由人群跳下泳池到煙花盛放的凌厲剪接及出色攝影中，體現到導演Damien Chazelle之純熟功架；本片致敬了《Singin' in the Rain》、《Funny Face》、《Le ballon rouge》、《An American in Paris》、《Broadway Melody of 1940》等電影的戲中戲結尾內，Damien Chazelle用了舞台劇場景、剪影、家庭錄像或是Broadway style的方式，去呈現影像、音樂相結合的魅力（並代替對白去說故事），亦凸顯出其高明的手法。張弛有度的《星聲夢裡人》，以較大型的歌舞場景帶給我們觀感上的刺激外，Emma Stone於影片內最後一次試鏡時所演唱的《The Fools Who Dream》，在沒有什麼花巧元素的襯托下（只是利用了燈光的明暗和鏡頭的旋轉來營造氣氛），卻有著頗強大的感染力。可是，電影裡頭本應用來昇華男女主角情感的Griffith Observatory內，二人失重的一幕（猶像《Solaris》中那代表著男女主角「高潮」出現的著名失重畫面），他們飛上星空跳舞的剪影，卻令人想起《007》……不，應該是《國產凌凌漆》那演唱著主題曲的片頭，效果略覺粗糙、差強人意，跟本片所走的、於美學上有所追求的路線，格格不入。
即便如此，這部結構上模仿了《秋水伊人》的作品（都是以不同季節將電影進行了劃分），仍是有成為新歌舞片經典的可能。導演Damien Chazelle他自己所寫的劇本，儘管沒太多新意，但對人物的刻畫尚算仔細、故事前後的呼應也會做足，像女主角Mia一出場時在高架路上只顧著讀稿、不理自己會阻塞交通、並於之後毫不有歉意地對男主角豎起中指的一幕，便已經顯示出了她為實現夢想可以不顧一切、不理別人感受、自以為是的性格。很多觀眾對結尾男女主角的分開感到愕然，但其實電影早在這開頭就已經做出了鋪墊，Mia是一個肯為夢想犧牲愛情的人，她最後所選擇的這個男人，可能是名導演或電影公司的高層，會更容易地幫助到其達成心中的夢想。而男主角Sebastian曾以為自己是「嚴肅樂手」，可之後被逼於現實、為了愛情，不得不放下身段、加入「信使」樂隊，甚至因將就《MOJO》雜誌攝影師的要求而擺起奇怪表情、姿勢，引人發笑；電影從這些劇情，更突出了Sebastian的性格，他是能顧及愛人感受、可以為了愛情犧牲自己夢想的人，跟女主角Mia恰成相反。所以兩者很難走在一起，他們最後於Sebastian所開的酒吧中相互地對望、點頭，又令我想起《秋水伊人》的尾聲——已經各自成家的男女主角，在加油站內（也是由男主角所經營）重遇的一幕，跟本片結尾相似，都是點到即止，但留下無盡的唏噓。
電影《星聲夢裡人》從這段愛情故事所留下的遺憾，強化了它前面就已經有著的失落情緒。導演Damien Chazelle通過此作品抒發了對爵士樂的「過氣」、荷里活黃金年代的逝去、或是連放映《阿飛正傳》（Rebel Without a Cause）的老電影院都不敵時光之摧殘、最終需關門結業的慨歎。當女主角Mia坐在餐廳內，聽著同桌的朋友抨擊傳統電影院的設施、觀眾的行為時，她於不久卻絕塵離去、奔向了正放映著《阿飛正傳》的舊戲院，這劇情的安排，不但明示了Mia對男主角的念念不忘，更寓意了Damien Chazelle對「傳統」的選擇和偏愛。他讓Mia穿上了散發著古典味的墨綠服裝，在隨後的Griffith Observatory場景中，又用到了類似《綠野仙蹤》（The Wizard of Oz）裡頭，那城堡顏色的燈光；跟著在男女主角的愛巢內，又以一襲透著迷朦綠光的窗簾，繼續向《綠野仙蹤》致敬，和營造出如《迷魂記》（Vertigo）內的神秘又浪漫的情景……導演Griffith Observatory憑著這些考究的色彩用法，已經表露出他對經典電影、對「傳統」的情意結，他連尾段「戲中戲」的部分，也參考了《An American in Paris》、《Singin' in the Rain》等「舊式」歌舞片的做法，既有「扭轉」的新意，又不失傳統的精髓。可惜，於「大師」已缺、漫畫英雄電影充斥銀幕的當下，「經典」已難出現、一切亦不能復在。本片內男女主角的告別，也是導演向著荷里活輝煌的往日進行告別，加上Sebastian所彈的《Epilogue》、那落寞的後段伴奏，更令人會發出萬千的感慨。
田中小百合
患有音樂癡迷症已多年，所寫的音樂評論文字散見於港澳大陸等報紙媒體或網路媒體，並一直相信音樂可以令世界變得更美
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